Immagini in movimento: la storia del cinema delle origini
Titolo originale: Moving Pictures: The History of Early Cinema
Autore: Brian Manley
Categoria: Saggi tradotti di Cinema
Indice
Introduzione
La storia del cinema non può essere attribuita a un individuo come una eccessiva semplificazione di qualsiasi storia spesso cerca di fare. Ogni inventore ha aggiunto elementi al progresso di altri inventori, culminando nel progresso dell’intera arte e industria. Spesso mascherato di mistero e favola, gli inizi del cinema e l’era del muto dei film sono solitamente contrassegnato da uno stigma di crudezza e ingenuità, sia sul pubblico che parti di cineasti. Tuttavia, con il punto di riferimento della rappresentazione di un treno che sfreccia verso e oltre la macchina, la fotografia del 1895 dei fratelli Lumière “La Sortie de l’Usine Lumière à Lyon” (“Lavoratori che lasciano la fabbrica di Lumière”), era solo uno di una serie di simultanee scoperte artistiche e tecnologiche che si verificarono alla fine dell’ottocento secolo. Questi trionfi iniziati con la creazione di una macchina che catturasse il movimento delle immagini portano a uno delle più celebrate e caratteristiche forme d’arte all’inizio del XX secolo. Il pubblico si era già divertito con immagini in movimento attraverso l’uso intelligente di dispositivi e meccanismi che creano le “fotografie in movimento” come le lanterne magiche inventate nel XVI secolo. Questi concetti di base, combinati con tentativi ed errori e il desiderio del pubblico di tutto il mondo per vedere spettacoli proiettati su un grande schermo di fronte a loro, ha dato vita ai film. Dalle “realtà” delle Penny Arcade[1]Le prime sale giochi. (NdT)., l’idea di raccontare una storia al fine di attirare folle più grandi attraverso l’uso di scene diverse iniziò a formularsi nella mente dei primi pionieri come Georges Melies e Edwin S. Porter. Questa guida alla scoperta esplora i primi anni della storia del cinema, seguendone le fondamenta come novità lucrativa fino al suo utilizzo come nuovo tipo di narrativa e d’arte visiva e l’ascesa dell’industria cinematografica.
Preistoria del cinema
Mentre Thomas Edison è spesso accreditato per aver inventato la prima cinepresa nel 1891 con il cinetoscopio, le sue idee sono il culmine di molte teorie e progressi verso la costruzione di un dispositivo simile a una fotocamera che catturava il movimento a partire dal XVII secolo. L’origine di questa macchina si trova nella lanterna magica, una prima versione di un proiettore di diapositive che consentiva alle immagini di farle passare attraverso una lente con l’uso della luce, spesso fornita da una lampada a cherosene. (Pearson “Early Cinema” 21). Chi sia l’inventore della lanterna magica è oggetto di dibattito, anche se la maggior parte delle fonti accredita lo scienziato olandese Charles Hugyens alla fine del 1650 (Fulton 21). La lanterna magica era usata principalmente per puro intrattenimento, generando sforzi estremamente creativi come “Fantasmagoria” negli anni ’90 del XVII secolo in Europa, che erano i precursori dei film dell’orrore e la scenetta popolare “Man Swallowed Rat”, che era amato per la sua commedia.
Una volta che la lanterna magica è entrata negli Stati Uniti verso la metà del 19° secolo, pervase la società americana, diventando ampiamente popolare e redditizia. Prima della creazione del “film”, esisteva già un pubblico desideroso di guardare immagini in movimento su uno schermo (“Peep Show Pioneers”).
Tuttavia, ci volle molto tempo prima che queste rozze macchine di proiezione fossero abbastanza avanzate per essere in grado di simulare il movimento. Nel 1832, due secoli dopo l’invenzione della lanterna magica, Simon Ritter von Stampfer di Vienna ha creato lo Stroboscopio, in base al quale i disegni dal bordo di un disco visto attraverso le fessure in un secondo disco simulano il movimento. Varie versioni di queste idee emersero durante gli anni ’30 dell’Ottocento, impiegando infine il processo fotografico inventato da Louis Daguerre. Nel 1853, Franz von Uchatius, un altro viennese, utilizzò una lanterna magica per proiettare le immagini dello stroboscopio su un muro, chiamandolo Fenakisticope proiettante. Il macchinista americano Coleman Sellers creò il Kinematoscope nel 1861, uno strumento che montava fotografie su una ruota con pagaie.
Per la maggior parte del 19° secolo, l’idea di immagini in movimento rimase radicata nell’uso di foto statiche proiettate rapidamente. Il concetto di creare un’azione dal vivo continua non si verifica fino al 1872 quando il fotografo britannico Eadweard Muybridge fu assunto dal governatore della California Leland Stanford per vincere una scommessa che tutti e quattro gli zoccoli di un cavallo da corsa hanno lasciato il suolo quando questo corre. Dopo diversi tentativi, e dopo che le esposizioni più veloci sono diventate possibili, alla fine Muybridge ha sviluppato l’idea di posizionare 24 telecamere in fila lungo la pista, attaccando una corda a ciascun otturatore della telecamera, e mediante un dispositivo elettrico, impostando le telecamere in funzionamento successivo come il cavallo passato. Muybridge ha continuato a perfezionare la tecnica, montando le fotografie su a Phenakisticope e proiettandoli attraverso una lanterna magica. Nel 1879, il fotografo fece un tour
L’Europa con la sua invenzione: lo Zoopraxiscopio. Questo processo ha continuato a essere migliorato con Praxinoscopio del 1882 di Emile Reynaud, che proiettava le immagini di Muybridge da dietro un schermo. Nel 1882, Etienne Jules Marey fu il primo a sviluppare una singola fotocamera in grado di scattare più immagini, scattando 12 fotografie in un secondo. Finalmente i cronofotografi di Marey ha mostrato che era possibile un movimento molto più fluido (Fulton 21; Mast e Kawin 12-14).
Dopo aver assistito al opera di Muybridge e Marey, americana inventore e uomo d’affari Thomas Edison decise di entrare 1888 per perseguire il concetto di visuale compagno al suo fonografo – così creando, in sostanza, a video musicale. Questo coincide con di George Eastman 1889 inaugurazione di Film in celluloide per lui Fotocamera Kodak, un’idea che aveva replicato dall’inventore Hannibal Goodwin. Sebbene sia comunemente accettato che Edison sia il padre americano del cinema, in realtà l’inventore ha dato il supporto dell’idea assumendo dipendenti e assegnando uno spazio di laboratorio per la ricerca del concetto. Il il regista del progetto, William Kennedy Laurie Dickson, alla fine avrebbe inventato la telecamera e proiettore per il quale Edison si sarebbe preso il merito come suo datore di lavoro (Mast e Kawin 13).
Quando Dickson iniziò il suo lavoro, Louis Aimé Le Prince, un fotografo e inventore francese che aveva studiato con Daguerre e stava lavorando a Leeds, in Inghilterra, si era anche rivolto all’idea del cinema. Le Prince aveva costruito due “ricevitori”, ciascuno con un’unica lente e un take-up bobina per negativi di carta. Questi negativi di carta sono stati esposti nel giardino di suo suocero e a Leeds Bridge nell’estate del 1888, creando il primo filmato mai girato.
La proiezione delle bobine di carta si rivelò difficile per Le Prince, portandolo alla fine a sperimentare con pellicola in rotolo di Celluloide sensibilizzata (Burns). Nonostante il suo desiderio di continuare a sperimentare, i problemi finanziari costrinsero Le Prince a decidere di raggiungere la sua famiglia a New York per una proiezione di il suo apparato e i suoi film. Fu visto l’ultima volta salire a bordo di un treno per Parigi il 16 settembre 1890. Il suo la scomparsa non è mai stata risolta (Herbert).
Dickson iniziò a sperimentare con la pellicola in celluloide di Eastman e presto si rese conto che i film dipendono dalla luce che passa attraverso l’inquadratura. Tagliando i fogli di pellicola in strisce e perforando i bordi – un’idea affrontata anche dall’inventore del Praxinoscopio Reynaud – Dickson ha utilizzato un dispositivo stop-motion che scatta foto sulle strisce di celluloide ricoperte di emulsione. Dal negativi, Dickson ha eseguito una stampa positiva, l’ha collocata in una struttura scatolare azionata da un motore a batteria e ha fatto scorrere le strisce su un anello tra una lampada elettrica e un otturatore. Questo era il creazione di quello che è considerato il primo film cinematografico, e gli esperimenti di Dickson furono il primi filmati reali registrati. I film sono stati registrati sul Kinetograph e visualizzati guardando attraverso una fessura nella parte superiore di una scatola chiamata cinetoscopio. Entrambi sono stati brevettati da Edison e Dickson nel 1891 (Fulton 23). Quei primi film erano tre film che Dickson aveva intitolato “Monkeyshines” e consistevano in colleghi di laboratorio di Dickson che facevano movimenti della mano davanti al Kinetograph per testare il dispositivo. La data delle registrazioni dei film varia da Dal 1889 al 1890, almeno un anno dopo il filmato girato da Le Prince. Tuttavia, a causa del prestigio e della popolarità di Edison e poiché le foto di Le Prince sono state scattate su rotoli di carta instabili, questi sono state storicamente accreditate come la prima cinepresa in celluloide e il primo proiettore a pellicola continua (Mast e Kawin 14).
Edison e Dickson presentarono in anteprima il cinetoscopio nel maggio 1891 a un raduno della National Federation of Women’s Clubs, mostrando filmati di Dickson che si toglieva il cappello (“Peep Show Pioneers”).
Il primo film intero sopravvissuto a questo periodo di tempo è stato “Lo starnuto di Fred Ott”, che è stato ha affermato di essere stato fucilato nel 1891, ma non è stato protetto da copyright fino al 1894 (Mast e Kawin 14).
Il periodo tra il 1888 e il 1894 divenne una corsa esplosiva per creare e, soprattutto, creare alcuni, per acquisire i brevetti per cineprese e visori. Con la rivoluzione industriale che tocca ogni aspetto della vita, inventori e imprenditori hanno lavorato allo stesso modo su macchinari per fotografia in movimento. Man mano che le invenzioni aumentavano e venivano fatti sviluppi, gli inventori combattevano assicurarsi che le loro idee e il loro lavoro non fossero copiati senza compenso. Mentre varie versioni di proiettori e fotocamere furono brevettati rapidamente, fu Edison a tentare di brevettare la base meccanismo della cinepresa, che ha portato ad anni di lotte legali che spesso hanno costretto i suoi concorrenti senza attività (Sklar 22-24). Nonostante le sue macchine fossero tutt’altro che perfezionate, Le Prince le brevettò con successo negli Stati Uniti, in Inghilterra e in Francia tra il 1888 e il 1890. Altri inventori lavorando sugli stessi progetti e nozioni corse e acquisì brevetti per le loro specifiche macchine fotografiche, tra cui Wordsworth Donisthorpe e Kinesigraph di William Carr Croft nel 1890 in Inghilterra.
Durante quest’epoca sono nate varie versioni della cinepresa e del proiettore idee per migliorare ciò che era già stato creato. Concetti notevoli che si sono aggiunti al la tecnologia del cinema e l’eventuale nascita del cinema includono quella di Hermann Casler nichelodeon per mutoscopi; la macchina fotografica Biographe di Georges Demeny; e Muybridge continua lavorare con lo Zoopraxiscope. Edison e Dickson costruirono il primo studio cinematografico a New Jersey nel 1893 la chiamava “Black Maria”, in cui veniva girato il filmato dello starnuto di Fred Ott (ustioni).
1894-1896
Non appena la cinepresa e presto le versioni del proiettore furono inventate e brevettate nel 1891, con cui l’industria cinematografica esplose nuove idee e fare un salto in avanti.
Edison ha funzionato velocemente per stare davanti ai suoi concorrenti, e ad aprile 1894 vengono aperti i primi Kinetoscope Parlors a New York City (ustioni). I salotti sono diventati una sensazione immediata. Patron pagati ovunque da cinque a 25 centesimi per visualizzare frammenti di peep show che spaziava da sequenze di music hall, fumetti schizzi, ricostruzioni storiche e tanto altro filmati popolari: incontri di boxe. Entro luglio, il è stato decretato il primo caso di censura contro il cinema, una causa persistente che sarebbe venuta a seguire il industria e arte in tutta la sua storia, come uno dei film di Edison è vietato in base al filmato che mostra una ballerina che rivela i suoi indumenti intimi A luglio, uno dei film di Edison è stato vietato in base al filmato che mostra a ballerina che svela i suoi indumenti intimi, diventando il primo caso di censura contro il cinema. Questo diventerebbe una causa persistente che sarebbe seguire l’industria e l’arte nella sua interezza storia (anno cinematografico per anno 14).
Il divertimento fornito in questi primi film era in brevi frammenti della durata di 15 secondi a uno minuto, girato negli studi di Edison “Black Maria”. Presentavano principalmente artisti di vaudeville che eseguivano i loro vari spettacoli teatrali, come la danza del ventre di Little Egypt o Sandow the Strongman in posa. Altre scene includerebbero trucchi messi in scena da gruppi itineranti come quelli di Buffalo Bill compagnia di cowboy. Questi sarebbero considerati i primi “attori di film”, sebbene non siano state utilizzate trame. La meraviglia tecnica del cinetoscopio ha ricevuto un grande impulso quando è diventata popolare La lotta del campione di boxe Jim Corbett contro Pete Courtney è stata catturata su pellicola, causando entrambi uomini e donne a formare file ai salotti (Usai 14). I registi si sono subito resi conto che la commedia, azione, sport e immagini provocatorie venderebbero biglietti. I cinema, noti anche come peep show, non erano affatto considerati un intrattenimento di lusso. I cinetoscopi sono stati trovati spesso nei treni e bar. (“Peep Show Pioneers”).
La proiezione di film su uno schermo più grande si è rivelata difficile. Nei primi tentativi di proiezione, pellicole spesso strappate, le immagini erano sfocate e il proiettore stesso creava troppo rumore per goderne film. La decisione di Edison di concentrarsi su proiezioni individuali dei suoi film è stata tanto una decisione commerciale quanto un riconoscimento delle difficoltà inerenti alla creazione di un piacevole sistema di visione di massa. Ad un certo punto durante la creazione del Kinetograph, Dickson ha sviluppato un mezzo per proiettare i film di prova sullo schermo. L’idea è stata bloccata da Edison, presumibilmente per impedire il calo delle vendite di un sistema individuale (Fulton 29). Tuttavia, altri iniziarono a puntare sull’idea della proiezione per un pubblico di massa perché il pubblico aveva assistito a spettacoli con proiezione meccanica sin dai primi giorni della lanterna magica. Sembrava essere il prossimo passo logico nell’evoluzione dell’arte e dell’industria del cinema (Mast e Kawin 17-19). Anche Edison se ne rese conto quando la popolarità del cinetoscopio iniziò rapidamente a svanire nel 1896 (Pearson “Early Cinema” 15).
Due errori nell’impresa commerciale di Edison sono stati la mancanza di ricerca per trovare un mezzo di proiezione e la mancanza di volontà di brevettare il cinetoscopio al di fuori degli Stati Uniti, Edison ha affermato che non valeva la spesa accessoria. Ciò ha stimolato una corsa non solo per ricreare il cinetoscopio in Europa ma anche per creare un proiettore utilizzabile per il pubblico di massa. Robert W. Paul duplicò e vendette con successo la sua versione del cinetoscopio in Inghilterra nel 1894, e in seguito inventò una fotocamera portatile più piccola simile a quella del progetto di Edison e Dickson. Lui ha seguito questa linea con la creazione del Bioscope, un proiettore che ha tenuto conto della persistenza della visione, effettuando così un movimento intermittente. Ciò ha consentito all’occhio di registrare e “prendere” le immagini migliori, creando meno sfarfallio percepibile tenuto conto nella visione persistente e influenzando il movimento intermittente. Dimostrò il suo bioscopio nel febbraio del 1896 (Fulton 26).
Il 1895 vide molti inventori sperimentare la proiezione e dimostrarla a piccole folle.
Paul è stato preceduto da altri concorrenti in questo campo. In Germania, gli inventori e fratelli Emil e Max Skladanowsky hanno proiettato film con il proiettore di Max, noto anche come Bioscope, nel novembre 1895. Il Bioscope Sklandowsky non è mai stato una fotocamera/proiettore commerciabile a causa del sul suo ingombro e non poteva competere con ciò che stava accadendo in Inghilterra, Francia e, infine, negli Stati Uniti (Burns).
È stata la Francia a guadagnarsi il merito di mostrare i primi film proiettati su grande schermo, guidati da fratelli Auguste e Louis Lumière. Il 28 dicembre 1895 i Lumière debuttano per primi con un pubblico pagante e hanno guadagnato immediatamente fama in tutta Europa e negli Stati Uniti. I fratelli possedevano una fabbrica di attrezzature fotografiche e stavano sperimentando una macchina fotografica che chiamavano Cinématographe, che di fatto presentarono nel marzo del 1895. I Lumière continuarono promuovendo l’oggetto come strumento scientifico, fino a debuttare al Grand Café di Parigi con dieci film alla prima mostra pubblica commerciale di film. Anche se la proiezione di Max Sklandowsky si è verificato circa 27 giorni prima della loro, il senso degli affari combinato dei Lumière e l’abilità nel marketing ha consolidato i loro nomi nella storia del cinema (Pearson “Early Cinema” 14). Con il Cinématographe, i Lumière avevano creato una macchina leggera a manovella che non poteva registra solo la fotografia in movimento, ma proiettare anche le immagini su un grande schermo usando il concetto della lanterna magica (Sklar 27).
Il film più famoso di quelli proiettati in quello storico esordio fu “La Sortie de l’Usine Lumière à Lyon” (“Lavoratori che lasciano la fabbrica di Lumière”), una bobina di cinquanta piedi raffigurante esattamente quello che il suo titolo annunciava. I primi film dei Lumière, come la maggior parte dei primi film, erano conosciuti come attualità, film che descrivono semplicemente normali eventi quotidiani mentre si svolgono. Molti di questi sono stati inquadrati come si sarebbe fatto con una fotografia fissa, con la fotocamera immobile e il soggetto direttamente di fronte ad essa (“The European Pioneers”). Quando i Lumière iniziarono ad aprire i teatri di New York, Bruxelles, Londra e Francia, i primi spettatori si accalcarono e, all’inizio del 1896, le brevi riprese della realtà dei film dei fratelli Lumière facevano parte della cultura popolare. Nel 1903 i Lumière ne avevano creati più di 2.000 film sperimentali. Il più famoso di questi nella tradizione cinematografica era “L’Arrivée d’un Train en Gare de la Ciotat” (“Arrivo di un treno alla stazione di La Ciotat”).
Realizzato nel 1895 o 1896, “L’arrivo di un treno alla stazione di La Ciotat” è noto soprattutto per la leggenda che per la sua effettiva realizzazione. Il filmato è una singola ripresa di un treno in lontananza che si avvicina alla stazione, la telecamera non si muove mai ma consente al treno di sfrecciare oltre. La tradizione allegata è che il treno sembrava sfrecciare fuori dallo schermo verso il pubblico, un fenomeno visivo mai sperimentato prima all’epoca, specialmente su uno schermo così grande e intimidatorio.
Gli spettatori sarebbero svenuti, si sono chinati e hanno urlato (Brownlow 2). L’angolazione della telecamera scelta dai realizzatori ha creato una sequenza di eventi, che variava da un’inquadratura distante a un primo piano, e mostrava a nuovo modo di presentare il non messo in scena. In sostanza, il regista ha diretto la telecamera per la prima volta, invece di sedersi semplicemente di fronte all’azione. I Lumière continuarono ad avere successo e innovazione con “Arroseur et arrosé” (“The Sprinkler Sprinkled”), drammatizzazione di una nota stringa di fumetti di un giornale (Sklar 30). Questo cortometraggio è considerato il primo film completamente di fantasia proiettato in pubblico e ha aperto nuove porte nell’industria cinematografica per la creatività come così come la commedia (“The European Pioneers”).
Anche la prima proiezione di un film negli Stati Uniti sarebbe stata spazzata via dalla storia mainstream. Prima sia del Bioscopio di Sklandowsky che del Cinématographe di Lumières, il maggiore Woodville Latham avrebbe proiettato un incontro di boxe sulla vetrina di un negozio nel maggio 1895 a New York City con il suo Eidolscope, un proiettore basato sui principi del Kinetescope che è stato co-inventato con William Dickson, ex dipendente di Edison (Burns). Latham e i suoi figli hanno raddoppiato la larghezza di Dickson ed Edison originali da 35 mm a 70 mm, fornendo un’immagine più chiara. Per mostrare film più lunghi e senza che la pellicola si strappasse, i Latham hanno creato un piccolo anello di pellicola in eccesso prima del quadruccio, allentando la tensione dalla bobina di alimentazione. I Latham brevettarono questo e l’idea è ancora utilizzata nelle moderne fotocamere e proiettori 35 mm, noti come Latham’s Loop (Mast and Kawin 19).
Ora per affrontare direttamente la concorrenza negli Stati Uniti, Edison ha raddoppiato i suoi sforzi per tenere il passo. Nel settembre 1895, Thomas Armat ha presentato la sua macchina per la proiezione, il Fantoscopio, co-creato con Charles Francis Jenkins, ad una esposizione in Georgia.
Informato di Jenkins e dell’invenzione di Armat, Edison ha raggiunto un accordo con i due uomini che hanno permesso ad Edison da produrre una macchina di proiezione a suo nome che incorpora i dispositivi degli altri inventori. Il proiettore è stato chiamato Vitascope e ha debuttato il 23 aprile 1896 a New York City (Fulton 28-30).
Il programma principale di Edison, sebbene sufficientemente promosso e un successo finanziario, non ha avuto lo stesso impatto sui suoi spettatori dei film dei Lumières. Edison faceva affidamento sugli stessi film che lui aveva usato per i suoi cinetoscopi. L’unico film che ha attirato l’attenzione è stato “A Rough Sea at Dover”, un film inglese girato da Birt Acres e fornito da Robert W. Paul, che di nuovo ha portato alcuni membri del pubblico a reagire con eccitazione. Da questo momento Edison ha utilizzato meno il suo studio “Black Maria”, mandando i suoi registi a girare realtà simili a quelle dei Lumières e Acri (Sklar 30-31).
L’industria cinematografica è nata in questi anni, ma le idee su ciò che l’industria potrebbe e vorrebbe diventare non erano stato ancora completamente elaborate. I film erano ancora una novità e un esperimento.
Tuttavia, con l’avvento del Cinématographe e del Vitascope, ora disponibili, i teatri hanno aperto in Europa e negli Stati Uniti, e i registi hanno iniziato a creare nuove forme di quella che presto sarebbe stata intesa non solo come una nuova forma d’arte, ma anche redditizia.
1896-1902
La popolarità dei film è nata ed è esplosa negli Stati Uniti e in Europa nel 1896.
Il pubblico si è accalcato per vedere l’Eidelscope, il Kinematographe, il Cinématographe, il Bioscope, il Veriscope, il Vitascope e ogni altra nuova macchina di proiezione che sembrava essere stata inventata come rapidamente mentre venivano realizzati nuovi film, il tutto per adattarsi alle richieste del pubblico per questo nuovo intrattenimento. Esisteva una rivalità tra gli inventori e persino le nazioni che alla fine portarono liti e accuse legali (Pratt 46). Sebbene New York City sia diventata l’epicentro del ultime innovazioni nell’industria cinematografica, nel 1897, i cinema negli Stati Uniti erano diventati estremamente le proiezioni popolari e cinematografiche iniziarono a verificarsi frequentemente in città europee come Parigi, Bruxelles e Londra. Oltre agli inventori, una varietà di registi ha iniziato a creare nuove tecniche e stili di film, compresi i film d’animazione di Emile Reynaud, i primi tentativi di colore di Charles ed Emil Pathé e i film di fantascienza e fantasy di Georges Méliès (Cinema Year by Year 20).
Negli Stati Uniti, Edison aveva diversi rivali che sfidavano il suo predominio nel settore.
James Stuart Blackton e Albert Smith fondò la Vitagraph Company of America per realizzare film che riprendono le sue rappresentazione del vaudeville. Tuttavia, con lo scoppio della guerra ispano-americana i registi hanno operato come giornalisti e sono stati in grado di portare a casa immagini che erano precursori dei cinegiornali, sebbene alcune di queste immagini fossero rievocazioni meglio descritte come propaganda rispetto a filmati reali. Vitagraph si sarebbe presto affermarsi come uno dei i principali produttori cinematografici del paese. L’American Mutoscope and Biograph Company iniziò nel 1896 a creare flip-card per Macchine per mutoscope, concorrenti con il cinetoscopio di Edison. Tuttavia, quando William Dickson, ex dipendente di Edison, è entrato a far parte dello studio, l’azienda ha accorciato il suo nome in Biograph e ha iniziato produrre film di migliore qualità, sostituendo i Lumière come principale concorrente di Edison. Intrappolandoli in contenziosi legali, Edison li rimosse dal mercato nel 1897 (Pearson “Early Cinema” 16).
Con l’invenzione della Biograph, iniziarono ad apparire altri proiettori concorrenti. Abbastanza stranamente, i Lumière, considerati un nome importante come quello di Edison in concomitanza con l’avvento del cinema, non sarebbero sopravvissuti alla concorrenza. I Lumières rimasero dominanti nel settore sia in Europa che in Nord America. Tuttavia, nel 1897, a causa di minacce inspiegabilmente dure ai suoi dipendenti americani sulla base di documenti doganali impropri da parte di funzionari doganali statunitensi, Lumière chiuse le sue attività americane e ridusse del tutto la produzione di film entro il 1898. Nel 1903, il Lumières aveva un catalogo di oltre duemila titoli; nel 1905, la società abbandonò misteriosamente la produzione cinematografica per concentrarsi sulla fotografia (Sklar 31).
Con lo spostamento dei poteri dell’industria, il contenuto e la direzione dei film hanno continuato a evolversi. Il nuovo arrivato che ha creato una delle più grandi emozioni nella prima ondata di film è stato il mago francese Georges Méliès, che è stato influenzato sia dalle prime opere di Dickson che dal film dei Lumières. Una delle maggiori influenze su Méliès lo ebbe il film Edison del 1895 “L’esecuzione di Mary, regina di Scozia” (The Execution of Mary Stuart), diretto da Alfred Clark, che aveva rilevato il ruolo di Dickson nell’azienda di Edison. Clark ha continuato a usare lo stile dritto ad angolo fisso, guardando un attore mentre si portava in vista e posava la testa sul ceppo. Clark ha quindi interrotto il film per consentire la sostituzione con un manichino per mostrare la ricreazione della decapitazione. Questa unica differenza ha improvvisamente aperto una nuova porta nel cinema che avrebbe continuato a crescere e ad espandersi, alimentando l’immaginazione del mago Méliès (Mast e Kawin 25).
Méliès ha iniziato a incorporare effetti speciali attraverso il suo uso del montaggio basato sulle sue illusioni teatrali.
In film come “Escamotage d’une dame chez Robert-Houdin” del 1896, Mèliés ferma la macchina da presa e sostituisce una donna con uno scheletro. Il mago era il primo regista a portare al cinema anche i generi fantasy, fantascienza, horror e commedia oscura come uno dei primi a iniziare a scrivere scenette con gli attori, aggirando l’idea di girare la realtà (Sklar 31).
Sono stati i registi come Méliès che hanno iniziato a guidare una nuova rivoluzione nello stile cinematografico, solo pochi anni dopo la sua invenzione. Rapidamente la crescita della macchina cinematografica ha portato alla produzione dei film art. Al suo inizio, i film erano pezzi di vita non in scena e non pianificati; la telecamera si comportava come se lo spettatore potesse assistere a un’opera teatrale o a una scena di strada. La scienza e la novità del movimento sullo schermo è stato sufficiente per invogliare pubblico e registi. L’incursione di Alfred Clark nel montaggio ha influenzato Méliès per perseguire l’idea, incorporando i suoi trucchi magici in trame fantastiche cucite con i primi effetti speciali filmati. Il regista ha iniziato a utilizzare in modo coerente sia la giunzione che il montaggio per creare immagini che appaiono e scompaiono in una varietà di set vivaci e stravaganti. Mélies sovrapporrebbe anche più scatti; sovrapporre le immagini l’una all’altra per creare visioni di immagini bizzarre (Pearson “Early Cinema” 18). Fu il fondatore di diverse tecniche innovative che sono ancora utilizzate nel cinema moderno, saltando dallo stile documentaristico dei Lumières ad un nuovo stile narrativo. Nel 1899, Méliès creò il primo film composto da più di una scena “L’affare Dreyfus”. Potrebbe essere stato il primo regista a utilizzare la prima dissolvenza, la fotografia time-lapse, e il prima ad illuminare la pellicole di lato, oltre che dall’alto. La sua opera più famosa era il capolavoro fantasy del 1902 di 30 scene, “Le Voyage dans la lune” (“Viaggio nella Luna “), in cui combinava fantasia, umorismo e critica sociale con una manciata di trucchi visivi davvero mai visti prima (Mast e Kawin 31-33).
Nonostante le sue innovazioni, Méliès si avvicina ancora al cinema come a un’opera teatrale e i suoi film rimangono completamente teatrali, come se fossero rappresentati su un palcoscenico. Nella maggior parte dei film che portano al 1900 si riflette il fascino di inizio secolo per i trasporti e i viaggi, questo a portato a realizzare innumerevoli film sui treni.
Sfilate, spettacoli di vaudeville, fiere mondiali, funerali, ricostruzioni teatrali della vita di Cristo e gli incontri di boxe riempivano spesso le sale cinematografiche. I film gag one-shot, l’uso dell’umorismo, degli effetti speciali e della narrativa in forme più complicate sarebbero stati lentamente integrati nei film, ma è stato nel corso di migliaia di cortometraggi. (Pearson “Early Cinema” 18). Tuttavia, nuovi investimenti, nuove società e nuovi registi hanno sfidato il mezzo. Charles Pathé e il suo i fratelli iniziarono a realizzare film di qualità migliore con il loro studio Pathé Frères, che alla fine conquistò l’industria cinematografica francese producendo attrezzature e film, possedendo teatri e produzione di film. Léon Gaumont creò contemporaneamente il suo impero cinematografico, formando quello che sarebbe diventato il modello per il moderno sistema degli studios, con progetti supervisionati dai dirigenti dello studio e creato da scrittori, cineasti e talenti a contratto. Gaumont ha anche promosso la sua segretaria, Alice Guy Baché, a diventare la prima regista donna, così come la prima donna a dirigere un ramo di produzione dello studio nel 1897. Tuttavia, nonostante l’eccessiva attività nel cinema durante questo periodo, i film non sarebbero cambiati molto fino al 1902 circa (Mast e Kawin 27-28).
1902-1915
Sebbene il cinema stesse diventando più complicato e sperimentale, la maggior parte dei film del cinema popolare ha raccontato scene e storie o ha copiato se stesso. I registi hanno duplicato ciò che ha avuto successo, creando più film sui treni (un genere a sé stante) e più bobine di gag con una battuta. Cineasti come Méliès, Baché e James Williamson hanno iniziato a trovare modi creativi per utilizzare la fotocamera e incorporare una narrazione nel forum del film. Dopo aver visto “Le Voyage dans la lune” di Méliès (“Viaggio nella Luna”), il proiezionista Edwin S. Porter ha appreso che un film potrebbe continuare una scena all’altra, raccontando una storia con continuità.
Sulla base della sua esperienza come proiezionista, Porter è stato assunto da Edison come cameraman. Alla fine è diventato direttore della produzione per l’azienda e avrebbe continuato a utilizzare le sue idee di far apparire le azioni continue da un’inquadratura all’altra e rappresentare gli eventi che si svolgono contemporaneamente in luoghi diversi. Porter sarebbe stato definito da molti il regista più importante del primo decennio dei film. Poiché il successo di “Viaggio sulla luna” di Méliès ha catturato il pubblico nel 1902, Porter ha pubblicato i suoi due film più importanti nel 1903 (Mast e Kawin 36-37). “The Life of an American Fireman” è considerato il primo film ad esibire una forma diversa di continuità temporale. È un misto di realtà e filmati di finzione che ritraggono una caserma dei pompieri ove un carro risponde alla richiesta di soccorso. La scena del salvataggio è diventata controversa. Il filmato di questo film presenta tredici tagli trasversali che ritraggono i vigili del fuoco all’esterno dell’edificio e gli inquilini in attesa di essere soccorsi all’interno dell’edificio. Acclamato come una svolta nel cinema primitivo perché consentiva l’utilizzo di prospettive multiple, si è successivamente scoperto che la stampa di proprietà del Library of Congress non era la versione originale di Porter. Porter originariamente ha tagliato la scena in modo molto simile altri altri registi del periodo, mostrando l’intera operazione di salvataggio come una scena e poi l’intera scena degli interni dall’inizio alla fine (Sklar 36). Questa versione a due tagli era simile a una sovrapposizione di azioni utilizzata da molti altri registi dell’epoca, tra cui Méliès e James Williamson “Fire!” (1901). È importante nel preannunciare ciò che doveva venire.
Già nel 1902 i fratelli Lumère avevano dichiarato che “il cinema era un’invenzione senza futuro” (Burns). Più tardi nel 1903, Porter presentò “The Great Train Robbery”. Questo film è spesso accreditato come il primo del genere western, viene ritenuto un film “storico”, con particolare importanza per il successo commerciale del cinema in generale. “The Great Train Robbery” ha confermato la capacità del mezzo di posizionare lo spettatore direttamente nella scena e nel mezzo dell’azione. Porter ha creato la sua narrativa mediante il montaggio di più scatti insieme delle stesse scene e utilizzando una varietà di fotocamere diverse e di angoli creativi. I personaggi corrono e combattono intorno alla telecamera. La telecamera si muove con l’azione, offrendo un’immediatezza visiva sconosciuta al pubblico che va al cinema. Il film è stato velocemente riempito con il crimine e la violenza, che si stava rivelando sempre più popolare tra gli spettatori. Anche rappresentava i gusti mutevoli del pubblico, che ora preferiva i film con trama rispetto alla realtà (Sklar 39-40).
“The Great Train Robbery” è considerato il primo film di successo al mondo. Ha cambiato il modo con cui sono stati realizzati i film e il suo successo ha permesso ai cinema di continuare ad aprire in gran numero negli Stati Uniti (“Peep Show Pioneers”). Porter e altri registi hanno iniziato a fare più commedie, western, film polizieschi e di inseguimento, oltre a continuare a sperimentare con la macchina da presa e le tecniche narrative. “Rescued by Rover” (1904) di Cecil Hepworth mostra un carattere energico avanzamento sulle tecniche di tiro multiplo di Porter, portando più connessioni emotive con i personaggi per il pubblico. I registi di Brighton, in Inghilterra, conosciuti come Scuola di Brighton hanno anche gettato le basi per il passaggio del cinema da uno stadio primitivo a uno più avanzato.
Williamson e George Albert Smith hanno sperimentato tecniche come le riprese dal punto di vista, primi piani e riprese in movimento, e l’idea di una pellicola a colori, tutto ciò ha gettato le basi che sarebbero state utilizzate e migliorate da un regista successivo di nome David Wark Griffith (Mast and Kawin 41-45).
Fin dai suoi primi giorni, l’attività dell’industria cinematografica è stata immediatamente un business spietato.
La fine del 1890 e l’inizio del 1900 vide Edison porre sfide legali contro i suoi rivali durante il primo decennio del cinema negli Stati Uniti. A causa del contenzioso in corso tra Edison e i registi, il furto aziendale perpetrato da cameraman ed espositori e la pirateria cinematografica, studi come Biograph, Vitograph Company of America e Star Film di Méliès riscontrarono problemi nel raccogliere capitali o realizzare profitti. Le guerre dei brevetti minacciarono di decapitare l’industria nascente (Sklar 43-44). Alla fine fu concluso un accordo tra le nove compagnie leader cinematografiche del periodo. Nel 1908 Edison, Biograph, Vitagraph, Essanay, Lubin, Selig, Kalem, Méliès e Pathé, insieme all’inventore Thomas Armat e al distributore George Klein, hanno formato la Motion Picture Patents Company (MPPC), accettando di condividere i diritti legali sui loro vari brevetti (Mast e Kawin 45-47).
La fondazione del MPPC coincise con l’esplosione del teatro nickelodeon e alla fine iniziò a regolarne il funzionamento. Nel 1908, oltre 5.000 furono aperti i nickelodeon negli Stati Uniti (“Peep Show Pioneers”). L’MPPC era alla fine dichiarato illegale ai sensi dello Sherman AntiTrust Act nel 1915 membri, i fondatori di l’industria cinematografica, erano rapidamente considerato come il “vecchia guardia” e loro sarebbe presto sostituito da l’ascesa di Hollywood e i suoi famigerati magnati, molti di cui hanno iniziato la loro carriera come immigrati appena arrivati con interessi nel nichelodeon in sensibile espansione (Pearson “Transitional Cinema” 26-27).
L’esistenza del MPPC ha creato un conglomerato di registi indipendenti che ha combattuto contro le sue politiche monopoliste.
I più importanti di questi erano la William Fox, l’Independent Motion Picture Company, la Keystone, la Thanhouser e la Rex. Nel 1914 centinaia di nuove imprese erano entrate nell’attività (Balio 103).
Il cinema ha continuato ad espandersi sia come attività commerciale che come forma d’arte. Nel 1907 gli imprenditori iniziarono a trasferirsi a ovest, lasciandosi alle spalle i vecchi studi di New York, New Jersey e Pennsylvania per gli ampi spazi aperti in California. L’ondata di immigrazione che si è verificata negli Stati Uniti orientali nel il primo decennio del 20° secolo ha visto l’ingresso di nuove idee e innovazione nel business. Nomi come Fox, Adolph Zukor, Carl Laemmle, Louis B. Mayer, Marcus Loew, William Selig, Samuel Goldfish, Jesse Lasky e Cecil B. DeMille hanno gettato le basi per la nascita di una città del cinema in un sobborgo fuori Los Angeles chiamato Hollywood. Aziende come Paramount, Fox, Keystone, Warner Brothers, Universal e MGM sarebbero presto diventati nomi familiari e produttori della maggior parte dei film statunitensi. I film più lunghi venivano prodotti a un livello molto più commerciale e per la prima volta il pubblico iniziava a frequentare film basati sugli attori nei film. Improvvisamente, le “personalità dell’immagine”, in seguito conosciute come “stelle”, erano l’attrazione principale per gli spettatori. Lo star system è stato fondato con attori come Mary Pickford, Charlie Chaplin e Douglas Fairbanks (che avrebbe formato la United Artists e anche contribuito a plasmare il business del settore) (“The Birth of Hollywood”).
Nel 1908, un attore-sceneggiatore di nome David Wark Griffith iniziò a realizzare film in una bobina per la Biograph. Il passaggio agli stili narrativi del cinema ha anche portato la spinta a film più lunghi. Di 1912, il cinema a una bobina stava morendo. Il successo del film francese “Les Amours de la Reine Elisabeth” (“Queen Elizabeth”) e l’epopea italiana di tre ore “Cabiria” hanno ispirato una nuova generazione di registi a provare film di diverse bobine (Sklar 52-56). Griffith se ne andò dalla Biograph per la società indipendente Mutual/Reliance-Majestic, che gli ha dato il controllo creativo dei suoi progetti. Il progetto selezionato da Griffith era il romanzo di Thomas Dixon “The Clansmen”.
Il suo adattamento cinematografico, “La nascita di una nazione” (Birth of a Nation), è stato presentato il 3 marzo 1915. Il film è importante per il cinema a livello economico, tecnico e artistico così come è socialmente controverso. Con questo film, Griffith ha portato avanti non solo le nozioni di narrativa proposte dai registi come Porter ma utilizzò e fece progredire le tecniche di ripresa e l’arte della cinematografia. Griffith ha annunciato quella che sarebbe diventata un’era moderna del cinema, e il successo del suo film lo sarebbe garantire il continuo successo dei film (Mast e Kawin 65-71).
Bibliografia
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References
| ↑1 | Le prime sale giochi. (NdT). |
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